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wenn aus filmen leidenschaft wird

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Asche ist reines Weiß

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© 2019 Neue Visionen Filmverleih

Es ist eigentlich schade, dass man hierzulande so wenig Zugang zu asiatischen Inhalten hat bzw. diese so selten beworben werden. Vielleicht ist deren Kultur so extrem anders als unsere, dass einfach das Interesse nicht groß genug ist? Dabei sind Mangas und Animes doch auch hier längst etabliert und der Zuschauer sehnt sich nach Inhalten, die weit über das Mini-Niveau von billigen RTL II-Animes hinausgehen.

Ich kann’s nicht beurteilen, ich war noch nie dort und hab daher absolut keine Ahnung – und wenn das nicht mal beste Voraussetzungen für einen Kritiker sind, weiß ich’s auch nicht 😉

Wir reden hier ja auch nicht von Animes, Mangas und dergleichen, sondern einfach von asiatischen Spielfilmen, die es ebenfalls zu Hauf gibt und die meiner Meinung nach viel zu selten das deutsche Leinwandlicht erblicken: Asche ist reines Weiß erzählt nämlich eine dieser Geschichten, die man auch als Europäer gerne konsumieren darf und die sich nicht vor Hollywood verstecken brauchen.

Natürlich fährt man an dieser Stelle keinen Allerweltscast auf oder trumpft mit bekannten Gesichtern – aber, wenn wir mal ehrlich sind, das bietet uns das westliche Kino auch schon seit einigen Jahrzehnten nicht mehr in der Form, die man sich gerne wünscht, sondern langweilt mit Austauschbarkeit, dass es nur so zum Himmel stinkt.

Und Inhalte? Gibt es immer wieder mal mehr mal weniger. Was die asiatischen Kinokracher aber immer richtig gut können: Tiefe. Geistiger Reichtum und Tiefgründigkeit, die man in vielen Blockbustern vergeblich sucht und die auch in so manch independentösem Film eher verkrampft als natürlich rüberkommt und dadurch an seiner Authentizität zweifeln lässt.

Beides liefert Asche ist reines weiß in Pur-Form: Man entzückt mit einer tollen Story, gestaltet diese mit chinesischen Wahrheiten aus und liefert so das gewisse Extra, das aus dem Film eben nicht bloß pure Unterhaltung, sondern auch Lebensweisheit macht, die ich schon als Kind immer gern aufgesaugt habe.

Und auch, wenn vielleicht so manch einer am Schluss dann dasteht und sich fragt: “Das war’s jetzt?” – spätestens dann merkt ihr, dass wir eigentlich viel zu wenig von dieser Art Stoff zu sehen kriegen und man sich viel mehr darum bemühen sollte, auch asiatische Filme anzubieten und dabei aus den Klischeegrenzen von Bollywood zu verschwinden.

.kinoticket-Empfehlung: Großartig gespielt, toll geschrieben und mit einem verstörenden Ende: Asche ist reines Weiß erzählt eine super Geschichte, die einen fesselt und nach klassisch-chinesischer Manier mit Lebenswahrheiten um sich schmeißt.

Hier wird einem nicht nur das Leben “da drüben” etwas anders gezeigt, sondern wunderbar unterhalten und ich finde, dass solche Produktionen sich nicht hinter Hollywood verstecken müssen, sondern durchaus im Kino gesehen werden sollten.

Nachspann
❌ braucht nicht abgewartet zu werden, es folgt nichts weiter.

Kinostart: 28. Februar 2019

Original Title: Jiang Hu Er Nü
Length: 136 Min.
Rated: FSK 12

Drei Gesichter

© 2018 Weltkino Filmverleih

Iran im Jahr 2018 – wir müssen, wenn wir wirklich ehrlich uns gegenüber sind, zugeben, dass wir eigentlich rein gar nichts über das Land wissen außer dem Schrott, der uns in den sensationsheischenden Medien über den Krieg zwischen den USA und dem Iran erzählt wurde (oder war‘s Irak – selbst das können die wenigsten auseinanderhalten).

Dieses Land hat auch Filme? Auch Kultur? Dort leben Menschen Tag für Tag, die an etwas anderem interessiert sind, als den Amis irgendwelche Waffen vorzuenthalten?

Ja! Über die Kultur und das „Innenleben“ dieses Staates wissen nur sehr wenige – und in meinem Umfeld und Einflusskreis rein gar niemand etwas drüber. Tatsächlich ist es aber so – manche mag das verwundern – dass dieses Land sehr viel mehr zu bieten hat, als das Paradebeispiel für die Achse des Bösen für den Rest der Welt darzustellen.

Im Iran gibt es auch viele Probleme und das alltägliche Leben ist für die meisten kein Zuckerschlecken. Und darüber erzählt Jafar Panahi etwas, der Buch geschrieben und Regie geführt … und als Besetzung auftritt, gemeinsam mit Behnaz Jafari, der gefeiertsten und berühmtesten Schauspielerin des Landes.

Ja, sie treten gemeinsam selbst auf und erzählen gewissermaßen „ihre eigene Geschichte“ anhand eines Portraits, das sehr tiefe, ehrlich-authentische und beeindruckende Einblicke in ein Land gewährt, das für viele immer noch ein Buch mit sieben Siegeln ist.

Cannes hat das Werk bereits anerkannt und die Goldene Palme für die beste Regie überreicht, jedoch ist dieses Stück so viel mehr! Unsereiner sieht vielleicht einen Film, der „echt ganz gut ist“, aber wenn man überlegt, wieviel Arbeit da dazugehört, in einem Land wie diesem als Frau in der Öffentlichkeit auftreten zu dürfen und welche kulturelle und politische sowie geistig-gesellschaftliche Vorarbeit notwendig ist, um erstmal für uns völlig banale Alltäglichkeiten herzustellen, dann ist es in tiefstem Maße beeindruckend, so etwas hergestellt zu haben.

Panahi mögen einige kennen über seinen vorherigen Film Taxi Teheran und mit Drei Gesichter zeichnet er erneut das Bild eines Landes in völlig verständlichen Farben auf einem hoch ansehnlichen Niveau für den Kinogänger in einer Weise, die im Gedächtnis haften bleibt und die es deshalb für mich zu den Filmen geschafft hat, die man definitiv gesehen haben sollte, um seine kulturelle Allgemeinbildung dahingehend erweitert zu haben.

Und hier zählt wirklich viel mehr als das wirklich rühmliche Offensichtliche – nämlich, welche künstlerischen Möglichkeiten und „Ausflüchte“ jemand in einem Land nehmen muss, um einfach „frei sprechen“ zu können: Vor diesen Schachzug verneige ich mich in Ehrfurcht und lege allen ans Herz: Besorgt euch .kinotickets, auf denen Drei Gesichter aufgedruckt ist – egal, wo. Hauptsache, der Titel stimmt!

.kinoticket-Empfehlung: Ein intimer Einblick in eine völlig unbekannte Wahrheit und Kultur eines Landes, über das nur sehr wenige genaueres wissen.

Die Figuren spielen sich alle selbst und dringen dabei in Gefilde vor, die wohl kaum jemand aus unseren Kreisen je erreichen dürfte: So präzise, fein austariert und künstlerisch auf höchstem Niveau hat mir bisher noch nie jemand einen kompletten Staat beschrieben. Großartig und zu Recht in Cannes ausgezeichnet! Rein da!

Nachspann
❌ braucht man nicht abwarten, hier folgt nichts weiter.

Kinostart: 26. Dezember 2018

Original Title: Se rokh
Length: 100 Min.
Rate: FSK 12

Under the Silver Lake

Under the Silver Lake

© 2018 Weltkino Filmverleih

Under the Silver Lake, was an sich schon als Verschwörungsklausel gelten könnte, ist der neue Titel des It Follows-Regisseurs, der sich abermals in langatmiger Erzählweise ertüchtigen möchte.

Ich hatte mit dem viel gepriesenen Horror-Stück schon meine lieben Schwierigkeiten, weil die Spannung einfach viel zu früh aufgelöst und der Film damit bereits in den ersten Minuten jeglichen Sinn für Gänsehaut und authentische Momente aufgegeben hatte. Und ich verstehe bis heute nicht, wieso dieses Ding überhaupt jemand feiert. Zu deutsch: Es war das langweiligste und langatmigste, das mir je untergekommen ist.

Under the Silver Lake lässt deutlich spüren, dass hier der gleiche Kerl am Werk war, hat aber in vielen Punkten seine Hausaufgaben gemacht: Die Zeichnung und Optik des Films ist erstklassig und zerberstet fast vor unermesslichem Erzählpotenzial. Was hier grafisch aufgefahren wird, ist einfach viel zu schade, um an so einen Film verschwendet zu werden.

Das gleiche gilt für den Soundtrack: Technisch haben die Macher wahrhaftig Ehre verdient und einen Film gezaubert, der schöner kaum sein könnte.

Was mir – wieder einmal – mies aufstößt, ist die Undurchdachtheit des Plots, der zwar in allen Maßen seltsam und durch und durch verhangen ist, jedoch keine Brillanz aufweist, die ihn zum Meisterwerk emporsteigen ließe. David Robert Mitchell verheddert sich in seiner eigenen Abstrusität und erzählt somit ein Potpourri von verwegenen Verschwörungsfetzen, die zwar für sich interessant erscheinen, sich aber während der überlangen Laufzeit nicht zu einem Gesamtbild zusammenfügen lassen und somit Keime der “Sinn-Frage” durchscheinen lassen.

Und damit entblößt man sich als Luft-Heini, der nichts zu sagen hat und die Welt nur durch “komische Atmosphäre” unterhalten kann – das ging bei It Follows bereits schief und haben andere Regisseure vorher schon wesentlich besser auf die Reihe gekriegt.

Und dabei hätte man mit dieser Grafik so viel geiles anstellen lassen können … Und es bleibt mir weiterhin schleierhaft, warum das Publikum diesen Film jetzt erneut so abfeiert…

.kinoticket-Empfehlung: Grafisch und akustisch eine absolute Augen- und Ohrenweide 🙂

Der Plot mäkelt vor sich hin und macht das Werk zu einer genauso harten Zeitaufgabe, wie es schon bei It Follows der Fall war: Die Länge wird unerträglich, weil man einfach nicht aus der Hütte raus will, sondern immer nur den Kopf durchsteckt – und das für die endgültige Befreiung halt leider nicht reicht.

Nachspann
✅ ist animiert, darf man also gerne noch mitnehmen.

Kinostart: 6. Dezember 2018

Original Title: Under the Silver Lake
Length: 139 Min.
Rate: FSK 16

Fünf Freunde und das Tal der Dinosaurier

Fünf Freunde zählt bereits zu den bekannten und etablierten Buchreihen, die sich in Kinderzimmern schon längst ausgebreitet haben und ebenso im Kino einer großen Beliebtheit erfreuen. Mit Fünf Freunde und das Tal der Dinosaurier erleben wir nun schon das fünfte Kinoabenteuer, dass jetzt nach mehrjähriger Pause und fast kompletter Neubesetzung einen quasi Neustart der Erzählungen hinlegt, da man bereits im Vorgänger schon gemerkt hat, dass die Schauspieler für ihre Rollen langsam zu alt wurden.
Um der angehenden Anzweiflung in Sachen Glaubwürdigkeit entgegenzuwirken, hat man also den Trupp neu besetzt und sich anschließend wieder vollends in die Kindererzählung geschmissen und dabei wohl nicht bemerkt, dass an (zu) vielen Stellen eben jene Glaubwürdigkeit weiterhin angezweifelt werden darf. Zumindest, was die denkende Bevölkerungsschicht betrifft.
Ich bin (als Erwachsener) auch weiterhin Verfechter und Möger von Kinderfilmreihen im Kino, nicht umsonst habe ich sogar dieses Blogprojekt mit einem herrlichen Kinderfilm gestartet.
Man findet mich bekanntlich auch in Babyfilmen vor, deren Sichtung ich zwecks Rezension gerne über mich ergieße, weswegen ich mich ebenso mit Freuden in das neueste Abenteuer der Fünf Freunde aus der Kinderbuchreihe von Enid Blyton gestürzt habe.
Was mir hier bitter aufgestoßen ist, war, dass man quasi grundsätzlich mit einer Lässigkeit davon ausgeht, dass die Zuschauerschaft zu doof ist, um zu kapieren, dass viele Dinge so einfach nicht funktionieren. Natürlich ist es dramaturgisch vorteilhaft, gewisse Handlungen eben mit einer “Spektakulär”-Portion auszustatten, die Kinderherzen gerne höher schlagen lassen darf, wenn’s dann allerdings pädagogisch gefährlich wird, sollte man spätestens die Reißleine ziehen und sich nicht mit physikalisch unmöglichen Dingen über die Szenen hinweghelfen.
Genau dies wurde hier aber reichlich getan. Inmitten eines Bads aus unzähligen Klischeerollen, die sich gegenseitig die Klinke in die Hand geben, wird hieraus ein von Älteren geächtetes Werk, da sich diese Dinge so weit von der Realität entfernt abspielen, gleichzeitig aber zu wenig Abstand da ist, um mit Sicherheit davon auszugehen, dass die Kleinen dies als “nur” eine Geschichte respektive Märchen begreifen und nichts mit der Wirklichkeit assoziieren.
Natürlich sind die Kulissen beeindruckend und auch das prähistorische Zeitalter hat man wesentlich netter in seiner Rolle aufgehen lassen, als es z.B. bei Conny & Co. 2 der Fall war – allerdings bleibt der fade Beigeschmack von zu viel absurdem Klischee und zu wenig intellektueller Verantwortung.
 

.kinoticket-Empfehlung: Den Kindern wird hier zu wenig zugetraut und zu sehr auf altbackene Klischees gesetzt – das gibt dem Film einen faden Beigeschmack und lässt ihn trotz exzellenter Neubesetzung weiterhin an seiner Glaubwürdigkeit scheitern.
Die Kulisse ist toll, der Soundtrack und das technische Drumrum hervorragend ausgestaltet, nur am Drehbuch und einigen pädagogisch fragwürdigen Aktionen hapert es hier und da.

 
Nachspann
ist gespickt mit Outtakes vom Dreh, man muss also nicht gleich raus sprinten.
Kinostart: 15. März 2018

The Commuter

Wer erstklassige Action sucht mit grundsoliden Festen, auf denen dieser Erzählspaß fußt, sollte um Liam Neeson einen leichten Bogen machen, denn der äußert sich eher in subversiver Materie, die nicht ganz vorne dran mitspielt, sich aber in den letzten Jahren durchaus seinen Bereich freigekämpft hat.
Dann kam The Secret Man und auf einmal war der Mann riesengroß!
Entsprechend stiegen auch meine Erwartungen und für Übernahme-Dramen hab ich immer etwas übrig, allerdings mittlerweile auch mit sehr gestiegenem Niveau und hohen Ansprüchen.
Der .trailer zu The Commuter (deutsch: Der Pendler) tut sein übriges und teasert wieder eine völlig neue, geile Idee an, für die Neeson wie geschaffen zu sein scheint und der Film dann … naja.
Jüngst hat man darüber diskutiert, wieso Hollywood es so liebt, in Filmen mit Zügen zu arbeiten: Sie bringen Fahrt auf, treiben die Story voran, bringen Geschwindigkeit und Drive in die Sache … und all das findet man in The Commuter eher weniger, ganz im Gegenteil: Es zündet irgendwie nicht so richtig, die Gespräche deuten zwar hochdotierte Kost an, aber das Ergebnis ist dann genauso ernüchternd wie der Blick in den FastFood-Karton eines Burgers.
Und das ist eigentlich traurig, denn das Thema ist spannender denn je und gewinnt in unserer Zeit sogar immer mehr an Bedeutung im Umgang mit dem sozialen Umfeld.
Dass hier dann so enorm mit Effekten, Spannungsbögen, gefühlter Geschwindigkeit und dem durchdringenden Rumms eines unaufhaltsamen Zuges gespart wird, deutet an, dass dieser Film wohl bald wieder aus den Kinos verschwinden wird, obwohl die Zuschauerzahlen noch im angenehmen Bereich sind. Und das Ende ist gelinde gesagt einfach erbärmlich und gnadenlos mit dem Zuschauer, der hier entweder verstört aufspringt und aus dem Saal rennt oder enttäuscht sitzen bleibt und sich fragt, warum das jetzt alles.
Da hätte man den Drehbuchschreibern einfach noch ein paar mehr Nächte aufs Auge drücken müssen, um hier einen etwas glückseligeren Ausgang zu finden, was nicht zwingend bedeuten muss, dass man an der Positiv-Negativ-Waage etwas drehen muss. Nur der Twist ist insofern nicht wirklich da und offeriert eher Lustlosigkeit denn Leidenschaft – sehr zum Leidwesen desjenigen, der sich voller Vorfreude ein .kinoticket für die Show gebucht hat und wieder einmal verblüfft werden will.
 

.kinoticket-Empfehlung: Neeson kehrt zu alter Gewohnheit zurück und überzeugt wieder in seinem bekannten Business ohne großartige Überraschungen oder nennenswerte Elemente.
Der Film ist solide verpackt in unterschwelligem Humor und bringt es die ganze Laufzeit über kein einziges Mal fertig, so richtig Fahrt aufzunehmen. Das Potenzial, dass man anfänglich in den Dialogen noch samenhaft streut, lässt man danach sofort verrotten und wendet sich lieber salonfähiger Action zu, die weder beeindruckend noch nachhaltig ist – in meinen Augen einfach verschenktes Potenzial.

 
Nachspann
braucht man nicht abzuwarten, auch wenn das Design wunderschön gemacht ist. Wer das genießen möchte, darf dies natürlich gerne tun.
Kinostart: 11. Januar 2018

Wonder Wheel

Woody Allen ist wohl einigen ein Begriff – und Wonder Wheel gehört definitiv zu den besten Filmen seiner Art. Maßgeblich dazu beigetragen hat wohl auch die Performance, die Kate Winslet hier an den Start legt – die Presse war sich einige darüber, dass sie dafür den Oscar® verdient hat.
Für alle, die ihn nicht so kennen, hier einfach mal ein paar Einblicke:
Farbgebung
Der Film besitzt eine unglaubliche Präsenz durch die Auswahl seiner Farben, die allein schon fast als “Stilmittel” herhalten dürfen. Ein Grund, sich den Film tatsächlich in einem Kino anzusehen, denn auf dem großen Screen kommt genau das richtig zur Geltung und man kann quasi darin “baden gehen”.
Charakterstark
Allen versteht es, mit wenig Aufwand und Brimborium unglaublich detaillierte Profile seiner Protagonisten zu erstellen, mit denen jeder Schauspieler tatsächlich unverkennbar verschmilzt. Man vergisst, dass dies “echte Menschen” sind und nimmt jedem seine Rolle ohne zu zögern ab.
Inhalte
Diese neumoderne Art und Weise, den Zuschauer durch CGI zu beeindrucken und dahinter nur blasse Luft in Form von cineastischem PS-Geprolle zu beinhalten, lehnt Allen kategorisch ab. Seine Filme haben allesamt eine erzählerische Tiefe, in die man automatisch abtaucht, ohne sich dessen bewusst zu sein. Damit zählt einmal mehr nicht das 3D oder besonders geile Animationen, sondern das Werk der Schauspieler trägt den Film von Anfang bis Ende. Back to the roots oder einfach klassisches Kino “aus der guten alten Zeit” – wie immer man es nennen möchte: Es wirkt und hat jeden im Saal übermäßig beeindruckt.
Und wer jetzt noch ein klein wenig etwas für das “alte USA” übrig hat, wird zusätzlich mit einem Bonbon belohnt – ob pro- oder kontrakritisch: Dieser Film ist der Besuch eines Kinos definitiv wert!
 

.kinoticket-Empfehlung: *Wochentoplist, hier kommt ein Kandidat für die ersten Ränge: Wonder Wheel beeindruckt auf allen Ebenen und sollte von euch diese Woche definitiv bei der Auswahl des Films präferiert werden.*
Klassisch gehalten, ohne dabei altbacken oder überholt zu wirken, mit einer immensen Botschaft und viel Inhalt, getragen durch Schauspielkünste und nicht durch Technik – allein das sollte durch ein .kinoticket belohnt werden.

 
Nachspann
After-Sequenzen-frei, rausstürmen erlaubt.
Kinostart: 11. Januar 2018

Coco – Lebendiger als das Leben (3D)

Man sagte mir, Coco sei der schönste Film des Jahres. Ich schau mir das Plakat an und sehe Disney und entwickle erstmal Abneigung. Abneigung wegen Geldgeilheit, die seit Jahren auf dem Rücken kleinerer Kinos ausgetragen wird.
Und ja, auch heute, wo ich mich auf Presseservern bewerbe, um Einlass an den Pforten der großen Verleihe bitte, um an Bildmaterial zu kommen und nicht einfach etwas aus dem Internet zusammenklaue, weil das nicht meine Art ist – nie meine Art war – auch da traue ich mich noch, gegen so einen großen Dino der Filmwelt aufzustehen und meinen Unmut über das Gebaren dieses Konzerns lautstark zu äußern.
Ich halte immer noch nichts von den kapitalistischen Riesen, die alle kleinen Verleihe der Reihe nach schlucken, nur um anschließend allein die Weltherrschaft an sich zu reißen und im Alleingang bestimmen zu können, wie diese Welt zu funktionieren hat.
Im Klartext: Alle Kinos drücken eine bestimmte Prozentzahl der Ticketeinnahmen an den Verleih ab. Demnach obliegt es jedem Kinobetreiber selbst, zu entscheiden, welche Filme gezeigt werden um dann aus den Ticketeinnahmen + Snackverkauf den Laden am Laufen zu halten. Glücksspiel quasi.
Konkurrenz wie Netflix, Amazon Prime oder Apple appellieren immer mehr an die Kundschaft, weniger ins Kino zu gehen und stattdessen lieber VOD zu nutzen, um die neuesten Blockbuster zu sichten, weswegen es kleinere Kinos sowieso schon schwer haben, Kundschaft an Land zu ziehen.
Daraus folgt, dass die Kinos entsprechend Programm bieten müssen, um auch weiterhin Leute anzulocken, die dann nicht nur Tickets kaufen, sondern auch im Kino verzehren, da sie sonst pleite gehen.
Tun sie das, ist das der Tod für Independent-Produktionen, die auch kleineren, mittelloseren Produzenten ermöglichen, Filme in die Lichtspielhäuser zu bringen um damit die kulturelle Vielfalt zu erhalten und nicht eines Tages nur noch massenproduzierten Einheitsbrei auf den Leinwänden zu sehen. Denn riesige Kinoketten und Multiplexkinos haben weniger Interesse daran, Nischenfilme zu zeigen, die sowieso nur wenig Kundschaft anlocken, aber viel mehr unterstützt und gezeigt werden sollten. Niemand wünscht sich Diktatur im Cinema – und genau darauf steuert man aber zu, wenn man den kleinen Kinos so hinter dem Rücken langsam den Saft abdreht.
Und in diesem Szenario kommt Disney und erhöht vorsichtshalber mal pauschal die Prozentpunkte bei den abzuführenden Abgaben, die die Kinos zu leisten haben so stark, dass kleinere Kinos nun Filme von Disney entweder pauschal aus dem Programm nehmen müssen, die Leute bleiben aus und Werbung für andere Angebote dieses Kinos laufen ins nichts… oder so dermaßen tief in die Taschen greifen, dass die restlichen Filme im Programm so starke Einnahmen generieren müssen, die dann den Verlust der Disney-Filme kompensieren.
Und so ein arschiger Schachzug von einem Unternehmen, dass einst für friedliche Familie, Zauber und Magie stand und einfach nur gute Laune vermittelt hat?
Dagegen mein entschiedenes Nein!
Warum will ich dann trotzdem auf den Presseserver von Disney?
Weil sie ihre Masche, die eigens erarbeiteten Erfolge im Zuge von Giga-Produktionen ohne Herz und Seele zu Grabe zu tragen, dadurch kompensieren, dass sie andere Unternehmen schlucken, die ihrerseits recht ansehnliche Gewinne einfahren. Dazu gehören die Marvel-Studios, dazu gehört Lucasfilm und eben auch die Pixar Animation Studios, deren Filme quasi ein Kinoerfolgsgarant sind.
Und letztere hatten hier die Federführung, weswegen dieser Film tatsächlich einer der schönsten des Jahres geworden ist, denn der Erfolg ist auch hier jede Minute spürbar.
Man sieht schon am Plakat die herrliche Farbenpracht und imposante Bildkraft, die sich nicht nur konsequent durch den immens langen Film schlängelt, sondern wie immer den Weg ins Herz des Kinozuschauers bahnt.
Und die Story ist diesmal so ergreifend, dass mich ein paar Journalisten tatsächlich gefragt haben, ob ich dieses Thema für Kinder nicht zu schwierig finde, da diese nach so einem Film ja eigentlich schwer depressiv wieder aus dem Kino gehen, weil die Situation einfach nur tief traurig ist.
Womöglich. Ich weiß es nicht. Ich finde eher, dass man sich dessen mal sehr lustig, liebevoll – aber auch lehrreich angenommen hat und hier auf spielerische Weise etwas sehr wertvolles vermittelt, dass sehr wohl nachdenklich macht, aber in sich trotzdem mit genügend Humor gespickt ist, der Kleinkindern viel eher im Gedächtnis hängen bleibt als die vergleichsweise komplexe Message, die meines Erachtens dann eher an die älteren der Familie appelliert. Hier würde ich also lieber auf “Das kapieren die eh noch nicht” setzen, als ein Verlangen nach höherer FSK laut werden zu lassen.
Fakt ist: Unterhaltung ist da – auf sehr hohem Niveau. Sehr liebevoll gestaltet, auf seine ganz eigene Art und Weise gemacht und durchaus ohne die Eskapaden benetzt, die man aus neueren Disney-Filmen so kennt. Also wirklich ein Werk, dass spüren lässt, dass hier Geld drin steckt aber gleichzeitig nicht den emotionalen Bezug zum Zuschauer verliert.
 

.kinoticket-Empfehlung: Für Kinder, die hinterher auch Fragen stellen dürfen und bei denen man bereit ist, auch über gefährliche Themen in diesem Alter zu reden, definitiv ein sehenswerter Film, der auf allerhöchstem Niveau für Spaß und gute Unterhaltung, aber auch für Nachdenklichkeit und Tiefsinnigkeit sorgt.
Lasst euch vom .trailer nicht abschrecken, der Film ist viel viel besser und auch viel liebevoller, als es auf den ersten Moment den Eindruck macht.

 
Nachspann
darf man sich gerne anschauen, hier wird wieder grandios gesungen!
Kinostart: 30. November 2017

Ostwind – Aufbruch nach Ora

Nachdem ich hier bereits meine “große Freude” an dieser Filmreihe bekanntgegeben habe, hatte ich natürlich “wahnsinnige Lust”, mir dieses von frevelhaftem Deutsch durchzogene Nachfolgewerk im Kino anzuschauen.
Und sorry, ja, ich bin spät dran. Zu spät.
Und sorry für meine Vorurteile. Ich entschuldige mich zutiefst bei den Machern, denn mit dem dritten Teil der Ostwind-Verfilmungen hat man mich gelinde gesagt extrem vom Kinosessel gehauen!
Die Verniedlichungen sind weg. Alle. Das ist kein Kinderfilm mehr, sondern höchster Anspruch auf Erwachsenen-Niveau, der nicht nur metaphysische Gipfel erklimmt, sondern mit einer Tiefgründigkeit aufwartet, die mehr als erstaunlich ist!
Probe gefällig? Dann zappt allein mal in den Soundtrack des Films (Ostwind – Aufbruch nach Ora – “Opener” reicht da schon fast als Track) rein und macht eure Augen dabei zu. Was seht ihr?
Ich sehe keinen Kinderfilm mehr (auch wenn die Spielzeiten das vermuten lassen). Ich sehe großartiges Kino, wohl bedacht, mächtig, mit Tiefgang und Eleganz, ein Epos. Und genau das ist Ostwind – Aufbruch nach Ora auch: Ein mit Menschlichkeit durchzogener Strang einer Geschichte, die für Kinder erzählt anfing und eine tränenbringende Wendung angenommen hat, die mich zutiefst im Herzen erschüttert.
Ich schreie vor Verzweiflung und Ergriffenheit, wenn der Soundtrack in meinen Ohren dröhnt und die imposanten Bilder des Films in seiner glanzvollen Pracht in meinem Kopf nachhallen, während ich ungeduldig darauf warte, dass dieser Film wieder und wieder über die Leinwand flimmert und ich mich erneut in den Fluten dieser von Niedergeschlagenheit und Ernsthaftigkeit durchzogenen Welt verlieren kann und als stiller Begleiter der Hauptdarstellerin durch die Wesenszüge gleite, die dort sanft umspielt, ernsthaft untermauert und mächtig durch den Boden krachend in die Welt posaunt werden.
Das hier ist kein “Wir sind kleine Hippies, die Pferde anhimmeln” mehr. Es ist so viel größer. So viel ehrbarer. So viel imposanter und mächtiger, dass man längst das Genre verlassen muss, weil Kinder nur noch die nette Beigabe sind, die man außerhalb als Entschuldigung braucht, um sich als Erwachsener ein Bild davon machen zu dürfen.
Und sobald man im Saal sitzt und all die bunten, quietschenden Trailer vorbei sind, landet man in einem Emotionsstrudel, der vor Ernsthaftigkeit und Harmonie nur so sprudelt. Man fiebert. Man weint. Man leidet. Und da ist absolut nichts mehr von dem ursprünglichen Hass des Nichtskönnens oder irgendwelcher Sprache. Oder typisch-deutscher Blödheit. Nichts.
Herrschaft, ich seh kaum noch, während ich diese Zeilen schreibe, weil sich meine Augen bereits beim Klang wieder mit Wasser füllen…
Wie konnte man zwischen zwei Filmen so schnell “erwachsen” werden? Wie konnte man aus einer fast schon “Lachnummer” etwas so dermaßen großartiges werden lassen? Ich bin immer noch beeindruckt und wünsche jedem sehnlichst, dass er meine Worte versteht und sich tatsächlich auf den Weg macht und sich den Film im Kino anschaut.
Denn Kino ist der einzige Ort, wo diese präsente Wucht auch gebührend rübergebracht werden kann. Nicht umsonst landete die Ausstrahlung im größten Saal, der dem Film überraschend angemessen war.
 

.kinoticket-Empfehlung: Überwindet euren Stolz und traut euch in diesen Film.
Er ist für Erwachsene fast besser geeignet als für Kinder, denn nicht nur die Charaktere sind älter geworden, sondern die Story bezeugt eine derartige Reife, wie sie manch andere – an Erwachsene gerichtete – Filme vermissen lassen.
Mich hat’s zutiefst beeindruckt (und dabei meine ich nicht nur, dass man sich von der üblichen Schmalzigkeit deutscher Filme gelöst hat).
Absolut sehenswert – und dieses Prädikat auch mehr als verdient bekommen!
Reingehen!

 
Nachspann
Nicht gleich aufspringen. Es endet langsam.
Kinostart: 27. Juli 2017

Den Sternen so nah

Ganz vorweg: Wenn irgend möglich, zieht euch das Teil in OV oder OmU rein. Allein schon die Übersetzung zielt hier so abartig auf Mädchen, Romantik, Schmusefilm und Kitschklischee ab, während man im Original schon wieder Mehrdeutigkeit und damit Titelbrillanz aufweist: The Space between us.
Ich bin ein Fan von Asa Butterfield. Ganz im Ernst: der Junge ist brillant! Er spielt nicht nur ausgezeichnet, sondern hat eine defensiv-schmiegsame Ader, die mich tief in meinem Herzen berührt. Als Kerl!
Bereits in seinen Vorgängerfilmen hat er bewiesen, dass er es absolut drauf hat, zuletzt in Die Insel der besonderen Kinder. Er wirkt nicht nur unschuldig und verletzbar, sondern für ihn ist die Rolle des Gardner Elliot wie auf den Leib geschrieben.
In unglaublich ausdrucksstarken Bildern und Emotionen wird hier Gefühlskino in Vollendung gemeistert, das mich nahezu sprachlos zurückgelassen hat. Nicht nur Asa, sondern auch Britt Robertson und Gary Oldman spielen hier ihre Rollen perfekt.
Und der Weltraum. Erwähnte ich schonmal, dass man mich mit Bildern vom Space fast immer gewinnt? Diese Momente wurden hervorragend eingefangen und dem Zuschauer dabei etwas genommen, nur um ihm so vieles mehr zu geben.
Die Liebe zu Selbstverständlichkeiten wird neu entfacht. Das Gefühl der “Leere” dazwischen ist herausragend. Die Hingezogenheit und pure Liebe gleicht der in Das Schicksal ist ein mieser Verräter und setzt erneut Meilensteine mit einem genialen Cast.
Der Film holt einen sofort ab und erzählt eine Geschichte, die gesehen werden muss. Dabei sollte man sich – wie oben gesagt – nicht vom Titel abschrecken lassen, denn die Story ist gewaltig und löst völlige Ergriffenheit und Sprachlosigkeit bei den Zuschauern aus.
 

.kinoticket-Empfehlung: Tränen in den Augen. Sprachlosigkeit. Verstanden werden und die Schönheit dieser Welt mit ganz neuen Augen betrachten: Wenn das die Ziele des Films waren, dann hat man voll ins Schwarze getroffen.
Den Sternen so nah reizt hier wieder an den oberen Kanten der Meisterwerke und etabliert sich als vollkommen gelungenes Stück emotionaler Stärke, die nicht auf distanzierte Persönlichkeiten zurückzuführen ist, sondern jeden Menschen tief in seinem Herzen trifft, sofern dieser sich darauf einlässt.
Der beste Platz dafür ist ein dunkles Kino mit großer Leinwand und ruhiger Stimmung.
Geht rein – tut euch den Gefallen.

 
Nachspann
folgt keiner, man darf also wieder raus. P.S: Tränen trocknen nicht vergessen ^^.

LION – Der lange Weg nach Hause

Lion erzählt die autobiografische Geschichte eines Mannes, der schier Unglaubliches erlebt hat.
Sehr ruhig, melodramatisch und mit sehr zeitverschwenderischer Kameraführung begleitet man hier die ins Herz gehende Story, die an Echtzeit und Authentizität nicht zu überbieten ist.
Die Jungdarsteller sind herausragend, man fühlt mit ihnen und kann sich gut in die absonderlichen Verhältnisse hineinversetzen.
Desweiteren gibt Lion nun endlich mal positive und reflektierte Nutzungsmöglichkeiten moderner Medien im Alltag preis und zeigt, dass an dem, woran sich die öffentlichen Medien und Publikationen oft stoßen, nicht nur Negatives ist.
Auch der Sound im Film ist hervorragend, defensiv und begleitend ohne sich in den Vordergrund zu drängen. Man findet sich selbst in einem Potpourri der Gefühle wieder, die wunderschön tragend die herzzerreißende Geschichte umschmeicheln und hier nicht nur mit beeindruckenden Bildern aufwarten, sondern auch drehtechnische Meisterleistungen beinhalten.
Beispielsweise wurde der Bahnhof “Howrah-Station” in Kalkutta komplett kontrolliert, um hier einige Szenen zu drehen. Dieser Bahnhof gleicht der Grand Central Station in New York mit Millionen von Menschen. (Quelle: Presseheft von Universum Film)
Die Ergebnisse im Film beeindrucken in jederlei Hinsicht und liefern nicht nur Gefühlskino mit hohem Anspruch, sondern auch eine wahre Geschichte, die bereits als Buchform die Massen der Leser erreicht hat.
 

.kinoticket-Empfehlung: Wer auch immer die Chance hat, sollte sich definitiv die Mühe machen und den Film im Kino anschauen.
Die Abgeschnittenheit zur Außenwelt ist hier von großer Bedeutung, da man nur so die Möglichkeit hat, sich ganz auf die Erzählung einzulassen und sich von jeder Form von Störung distanzieren sollte, um das Gesamterlebnis nicht zu verletzen.
Die Darsteller spielen derart echt, dass einem in vielen Situationen die Gänsehaut über den ganzen Körper läuft und der Film als ganzes bleibt gewiss als positiver Eindruck im Gedächtnis haften.
Reingehen!

 
Nachspann
Hier lohnt Sitzenbleiben bis ganz zum Schluss, denn der Abspann ist nicht nur mit Bildern gespickt, sondern es folgt auch noch eine After-Credits-Szene.

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